Intermezzo

花式滑冰(figure ice skating)比賽都會有兩項評分， 一是技巧性，一是藝術性，這兩項份數加起來的總分最高，就是冠軍。 技巧性是指選手能跳得多高，在空中能轉多少圈，旋轉的組合有多複雜；音樂性則是指肢體動作是否能像舞蹈般的優美，是否能感動人。 可以預測的 年紀輕的選手，總以技巧取勝；年紀略長，則以藝術性見長。  

音樂比賽的評分標準，也是包含了技巧性與音樂性兩項因素，只不過不像滑冰比賽可以分得這麼清楚，因為技巧藏在音樂性裡，音樂性需要靠技巧來呈現，兩者「妳泥中有我，我泥中有妳」，很難分得一清二楚，所以音樂比賽的成績不會明確告知技巧多少分，音樂性多少分。也因此音樂比賽總會招受不公平、不客觀的爭議。 這倒也無可厚非，藝術本來就是主觀的感受。 這也是花式滑冰會偏向運動項目，而樂器演奏則屬於藝術範疇的原因。

(阿格麗希可不是到年紀大了才練到這種速度, 在年輕時就可以做得到了.)

何謂「技巧」？ 簡單的說，就是彈得比較快，彈得比較清楚，彈得沒有錯誤。 通常在比賽時，同樣的曲目(尤其是指定曲)，速度總是會彈得儘可能的快，表示技巧比其他的參賽者好，分數會比較高些。 技巧怎麼來的？ 除了坐在鋼琴面前，一個音一個音練來的之外，別無他法。 手指在琴鍵上飛舞的時間越多，練得有效率，循序漸進，技巧一定越好。

何謂音樂性？ 簡單的說，就是彈得有趣(interesting)，彈得令人感動(impressible)，彈得寓意深遠(profound)。 音樂性就像是廚房的香料，能使一道平淡無奇的食物，變成美味可口的佳餚；又像是時尚彩粧師，能使一張素顏的臉孔，變得更光彩動人。 對初學者來說，音樂性是直覺，未經思考的反射動作。 「我就是認為該這樣彈，沒有別的理由。」，最明顯的音樂性表現就是彈出來有沒有大小聲，有沒有斷句。 再進一步深究，音樂性是思考，是分析，是所有感官的心得反映，總而言之，就是詮釋樂曲的方式。 音樂性怎麼來的？ 分析樂譜的調性，表情符號，作曲手法是基本的，除此之外，還要閱讀作曲者的生平事蹟，了解其個性，甚至也要彈奏其他的作品，累積作曲者特有的語彙，(vocabularies,套用張俊彥老師的用語)，才可能對正在練習的樂曲有全面性的了解。 音樂性還與彈奏者的生活觸角，生活態度息息相關，觸角越廣，心得越豐富，反映在彈奏的樂曲上，就越有層次，越有內涵。

(不過就才這麼幾個音, 單手就可以彈得出來. 可是普雷特涅夫彈出來就是這麼感人, 每個音就這麼
到位的恰到好處, 不敢相信他還要分心指揮樂團, 這就是普雷特涅夫, 這就是莫札特.)

技巧可以說是生理的，外在的表現。 生理就跟身體發育，年齡有關。年輕時彈不出的技巧、速度，年紀大了也一定彈不出來。在一定年紀之後，技巧只能維持不墬，而不能再精進。 傅聰大師彈奏的蕭邦、莫札特的作品，在樂壇上佔有重要的地位，卻感嘆自己於幼年時，因環境因素，琴少練了，技巧不夠完整，以致於彈奏有些作曲家作品，力有未逮。 大師這種謙虛與追求完美的態度， 足堪為所有音樂人的典範。

相對於技巧，音樂性可以說是心理的、內在的表現。 既然與心理有關，就不受到年齡的限制，可以隨著年齡與時間的增長而有無止境的成長。 年齡的增長代表著一個人的心智、閱歷、人生態度、處世哲理與時俱增，不受身體影響。 有些演奏家會對同一首樂曲錄製了兩次或三次錄音，因為隨著年齡的增長，他對樂曲有不同的體會，詮釋方式有就有所不同。

技巧需要經年累月的練習，無法一蹴即成，不可能一覺醒來，技巧就有長遠的進步。 音樂性則不然，有可能經過大師的指點，下一次彈出來的音符，就給人驚艷的感覺。 今天被女朋友甩了，晚上練蕭邦的送葬進行曲，就體會到那股槁木死灰的感覺。 讀到「倚天屠龍記」張三丰教張無忌太極拳，就領悟到彈奏莫札特的方法，把所有的技巧都忘了， 反璞歸真。 音樂性有可能「頓悟」，一秒鐘的靈光乍現，或是心靈悸動，勝過一個月的技巧練習。

音樂性如同是一個人的大腦，技巧就像是手足。 手足越靈活，可供大腦驅使的操控性就越多樣，越複雜，彈奏的音樂就有多種的面貌，在經過多方考量，就可以在這麼多面貌中，選擇一種最適合作曲家與自己的面貌。 大腦要是思考不足，空有靈活的雙手雙腳，反而不知該如何驅使，這樣能彈奏出的面貌就有限。 手足為大腦所用，如同技巧實為音樂性所用，技巧與音樂性，相輔相成，缺一不可。

技巧好壞的關鍵人物，根據我的觀察，是每天陪練的家長。 大部分的家長都不會彈琴，或者彈琴的功力早已不如這些「現役的選手」。但是國小學童，畢竟年紀小，不夠成熟，自我要求不足，練了幾年的琴，一聽到節拍器還是排斥，一首曲子練了兩個星期，每次練習還是從頭彈到底，永遠前面的最熟，後半段就「崎嶇坎坷」，會的還是會，不熟的，還是不熟。 這些練琴的盲點，練的人都「當局者迷」，每天在旁邊聽的父母可是心知肚明。 即是不會彈，每天聽也練就出一套「指導原則」，扮演教練(借用劉軒的話)的角色在合適不過。有位家長媽媽告訴我，她有位朋友竟然要跟她學鋼琴，讓她感到受寵若驚，也很啼笑皆非，因為這位家長媽媽壓根沒學過鋼琴。 可能是因為她都陪著女兒上課的關係，所以對女兒彈琴的缺點知之甚詳。 回到家把老師的話重複一遍，並要求照著老師交代的方法練習，當然在外人看來coaching得頭頭是道，難怪被誤認為這媽媽一定也是鋼琴老師。 其實陪孩子練琴，一點兒都不難，聽到彈不順的地方，就要求分段練，放慢速度練，聽到彈得呼圇吞棗的地方，就拿出節拍器要求照著練。 幫助孩子克服的惰性，對孩子的技巧當然有幫助。

(只有經過歲月的焠鍊, 智慧的累積, 才有辦法彈奏出如此平靜祥和的音樂.)

或許有人會認為，家長的過度督促，將使孩子對練琴心生厭煩，充滿怨氣，彈出來的琴音缺乏音樂性。 老實說，我倒不這麼認為。 只要孩子，練得下去，肯繼續練習，有沒有音樂性，實非家長之過。 別忘了學琴的路上還有一位關鍵人物，也就是孩子指導老師。 張俊彥老師曾在一次演講中提到，如果學生在準備期末的考試，應該在兩週之內，就把技巧練好，再來的時間，就是老師教導詮釋的方式，這後面精雕細琢的時間愈多，準備就愈充分，要是到考前兩週才把技巧練好，那老師在詮釋的方式上的指導就有限，考試的準備就不夠周全。練習一首新的樂曲，不管要不要考試，何嘗也不是如此？ 老師在講解樂句詮釋方式的過程，應該是學習樂器最精華、最有趣的部分。看似複雜，令人眼花撩亂的樂譜，經過老師的斷句、分析，賦予了每個音符的生命力，每個音符似乎都活了過來，躍然紙上，跟你打招呼。 然而，囿於每個學生的理解力，接收訊息的程度不同，老師的發射頻率對不準學生的接收頻率，使得學生在音樂性的學習會打點折扣，無法儘得老師的真傳。 因此博覽群書，增加生活的觸角與體驗，這些看似與音樂無關的活動，卻可使提升自己與老師對話、溝通的能力。跟老師說同樣的語言，處於相同的頻道，練琴的過程會成為一種「再創造」的過程，彈琴的樂趣與成就感於焉產生。

哥哥在這一兩學期期末會考的老師評語上， 都被稱讚音樂性佳，在我們家長看來，實在憂喜參半。高興的是哥哥對音樂、對彈琴還是有樂趣，琴音令人聽起來不會單調無聊；憂的是我們明確知道他的練琴時間，相對於班上其他同學，實在不多，看課外書還比練琴的時間多。 這音樂性佳的優勢能維持多久？ 

好吧! 你不練琴時，我就當你在練音樂性好了！