“每個人都需要學鋼琴，但不需要每個人都成為鋼琴家”
“當一首樂曲經過錄音過程之後，在台上演奏就簡單多了”
~ ~ Dr. Kamil Tokarski
Darren八月中在Festival MusicAlps接受鋼琴家羅傑(Pascal Rogé!)的指導，深獲大師的肯定。回到台灣後由於手中已經練好一些完整的曲目，就建議他把這些曲目錄音錄影下來，以後需要影片的時候就可派上用場。正在煩惱不曉得去哪裡錄音時，突然在FB跑出下列的訊息：
“Dr. Kamil Tokarski是一個波蘭駐台鋼琴家，在美國取得鋼琴演奏博士後搬到台灣，並在台北成立了Tokarski Piano Studio，進行鋼琴教學及錄音”
2009年我們舉辦了一場小型簡單的演奏會，主要原因是Zoe的生日party，邀請了與Zoe與Darren一樣，有學鋼琴卻沒有機會上台演奏的同學，有個練習表演的機會。 地點在梅哲文化中心。美其名是Zoe的生日音樂會，彈得最多的卻是Darren，當時8歲的Darren，一口氣彈了Mozart KV.545第一樂章、巴哈創意曲第一首，法國組曲第二號’”Air”、洋娃娃之夢及克萊曼悌的c小調小奏鳴曲。
2016年我們將再度舉辦音樂會，不同的是由多人協力演出變成了獨奏會，場地由40人換到360席的誠品表演廳。 不變的是，還是Darren彈得最多，這次則獨撐全場。曲目從巴洛克、 古典、浪漫時期，彈到現代音樂作品。
練琴是辛苦的；彈琴是快樂的。上課與練琴是自我對話，自我個性、智識的養成；在台上演出是與他人的溝通，將自己的想法、觀點說給他人聽，藉此得到他人的認同，並進而希望能感動人。 這是每個音樂學習者練琴的動力，追求的目標。 考試、檢定、比賽、成果發表會、實習音樂會，都是在辛苦練琴的過程中，得到一點小小的回饋、掌聲與鼓舞，得到繼續往下走的動力。 獨奏會則是所有辛苦與回饋的集大成。獨奏會的演出不是三五分鐘的比賽或是考試，不只是一個樂章或是一首三樂章的奏鳴曲或協奏曲的實習音樂會，而是六七十分鐘以上多首作品的完整演出。 演奏者除了要對演出作品有清楚全盤的了解外，還要加入自己的詮釋，然後在舞台上背譜演出。 演出成功與否，完全由獨奏者承擔，沒有半點推卸責任的藉口。
對樂曲完整、全盤的了解與掌握，一直是國內音樂教育最容易被忽視的一環，尤其是從小在音樂科班環境學習的未來音樂家們。固定的考試加上不定期的比賽，往往只注重短期目標的規劃與達成，而忽略對作品完整的了解。 考試或是比賽完畢，就開始練習新的曲目，而為了成績理想，常常練習的都是比較炫技的作品， 最明顯的例子就是常常一首奏鳴曲或協奏曲，只練第一或第三樂章；或是刪掉太長的前奏與間奏，以便讓獨奏樂器有更多的演奏時間。
這次的獨奏會將採取公開售票的方式，是希望能告訴大家：Darren是認真的。他對音樂是認真的，他練琴是認真的。 透過售票的方式吸引認真的聽眾來欣賞：欣賞他的音樂，欣賞他的認真，欣賞他的努力。透過認真聽眾的鼓勵，讓Darren有繼續往下走的動力。
彈琴的人呀! 彈琴時你像是熱情的演員，還是冷靜的說書者?
當我們閱讀到一則精采的故事，自己讀得津津有味，興奮之餘想要表達故事的內容給更多的人欣賞，有兩種方式可以選擇：一是用演的，自己化身成故事的角色，時而主角，時而配角；一是用說的，坐在椅子上，照著故事作者的語法，一字一句的念出來，沒有多餘的肢體動作，只有說話者聲音的高低起伏。彈琴何嘗不也是如此? 譜架上擺的是二、三百年前已經寫好的劇本－樂譜，那麼彈琴的你，是要用演的，還是說的，來介紹這美妙的音樂呢?
如果你是要用演的，全身上下都會是你溝通工具，用身體的肢體語言表現故事的情節發展。彈琴的你不能任意走動，只能固定在鋼琴前面，所以會隨著音樂的起伏，而搖頭晃腦，時而左傾右斜。 臉部表情尤其生動，快樂時眉開眼笑，悲傷時眉頭深鎖，生氣時杏眼圓瞪，迷惘時兩眼空洞。所有的音樂情緒都反映在你的肢體動作上。
如果你是用說的，就會設法使自己消失不見，如同聆聽有聲書一般，你的聲音會是唯一與聆聽者的溝通工具，用聲音的高低起伏來表現故事的情節發展。由於沒有影像可看，聆聽者只得努力的聆聽說書者所說的每一字、每一句；也由於沒有影像可看，聆聽者會有更大的想像空間，來想像說書者所描繪的故事情節。所以坐在鋼琴面前的你，身體基本上是不動如山，沒有搖頭晃腦，只有手掌在琴鍵上平行的移動。 任何的肢體動作是為了讓指尖的音樂說得更清楚，故事的情節發展不會讓肢體動作或臉部表情有任何的蛛絲馬跡可以預知。這好比是大聯盟棒球場上的投手，球沒出手前，打者無法從投手的肩膀或 手臂，判斷出球的軌跡是直球還是曲球? 是快速球還是慢速球? 球會是到了打者面前才看得出球的走向。 這種恍然大悟的驚艷，會比可預知的結果，更加令人印象深刻。 讓故事自己說故事，讓音樂自己說音樂，說書者與彈琴的你，不會加油添醋，喧賓奪主，只會忠實地傳達故事與音樂。
那麼，彈琴的人呀! 你是熱情的演員，還是冷靜的說書者呢?
【How Many Hours a Day Should You Practice ? / 你每天應該練多久的琴?】♩.
Fan-Chiang Yi 范姜毅寫於 2011年6月4日 23:00
花式滑冰(figure ice skating)比賽都會有兩項評分， 一是技巧性，一是藝術性，這兩項份數加起來的總分最高，就是冠軍。 技巧性是指選手能跳得多高，在空中能轉多少圈，旋轉的組合有多複雜；音樂性則是指肢體動作是否能像舞蹈般的優美，是否能感動人。 可以預測的 年紀輕的選手，總以技巧取勝；年紀略長，則以藝術性見長。
音樂比賽的評分標準，也是包含了技巧性與音樂性兩項因素，只不過不像滑冰比賽可以分得這麼清楚，因為技巧藏在音樂性裡，音樂性需要靠技巧來呈現，兩者「妳泥中有我，我泥中有妳」，很難分得一清二楚，所以音樂比賽的成績不會明確告知技巧多少分，音樂性多少分。也因此音樂比賽總會招受不公平、不客觀的爭議。 這倒也無可厚非，藝術本來就是主觀的感受。 這也是花式滑冰會偏向運動項目，而樂器演奏則屬於藝術範疇的原因。
(阿格麗希可不是到年紀大了才練到這種速度, 在年輕時就可以做得到了.)
何謂「技巧」？ 簡單的說，就是彈得比較快，彈得比較清楚，彈得沒有錯誤。 通常在比賽時，同樣的曲目(尤其是指定曲)，速度總是會彈得儘可能的快，表示技巧比其他的參賽者好，分數會比較高些。 技巧怎麼來的？ 除了坐在鋼琴面前，一個音一個音練來的之外，別無他法。 手指在琴鍵上飛舞的時間越多，練得有效率，循序漸進，技巧一定越好。
何謂音樂性？ 簡單的說，就是彈得有趣(interesting)，彈得令人感動(impressible)，彈得寓意深遠(profound)。 音樂性就像是廚房的香料，能使一道平淡無奇的食物，變成美味可口的佳餚；又像是時尚彩粧師，能使一張素顏的臉孔，變得更光彩動人。 對初學者來說，音樂性是直覺，未經思考的反射動作。 「我就是認為該這樣彈，沒有別的理由。」，最明顯的音樂性表現就是彈出來有沒有大小聲，有沒有斷句。 再進一步深究，音樂性是思考，是分析，是所有感官的心得反映，總而言之，就是詮釋樂曲的方式。 音樂性怎麼來的？ 分析樂譜的調性，表情符號，作曲手法是基本的，除此之外，還要閱讀作曲者的生平事蹟，了解其個性，甚至也要彈奏其他的作品，累積作曲者特有的語彙，(vocabularies,套用張俊彥老師的用語)，才可能對正在練習的樂曲有全面性的了解。 音樂性還與彈奏者的生活觸角，生活態度息息相關，觸角越廣，心得越豐富，反映在彈奏的樂曲上，就越有層次，越有內涵。
今年(2011)1月30日六點鐘，中華路的國軍藝文中心外排著長龍等著入場。 這是一個舞蹈教室的展演，入口處掛著兩張大海報，一張是一位國中生大姐姐，穿著硬鞋，惦著腳尖，身穿優雅的芭蕾舞衣，擺著專業的芭蕾舞姿，代表著這家舞蹈教室獨沽一味，只教正統芭蕾。
另一張是一位小女孩，側著身，身穿著練習舞衣，手握著把桿，大大的眼睛，有著天使般的笑容。 這張海報代表著舞蹈教室也有幼兒芭蕾，從小培養。 這小女孩是我們家女兒。
算算日子，妹妹學習芭蕾舞，也有三年的時間，每週兩節課，每節課90分鐘。 上課時為防止學生分心，大窗戶的窗簾都會拉上，等候的家長只能隔著窗簾往裡頭看，想看清楚一點，就利用兩扇窗簾間的空隙。 看她們上課是蠻無趣的，芭蕾的基本動作，就像是嬰兒在學習走路的過程一樣，要先學會站立，再來走與跳。
目前是芭蕾二級的她們，上課時並不會滿場飛舞，每位學生活動的範圍，不會超過前後左右一步的距離，練習就是抬腿、舉臂、劈腿、上引等基本動作。 用練鋼琴做比喻，就好比每節上課都只彈哈農、史密特、彼史納等手指練習。
每年春秋兩季的音響展，我都會趁著地利之便，找時間進去逛逛，看看有沒有新的資訊或是便宜可撿。 這幾年對音響的需求不高，孩子越來越大，能找個時間好好聽音樂的時間越來越少，反倒是樂器更換了不少，音響的主要成員： 揚聲器、前後級擴大機、DVD Player，都已經就位，沒有多餘的預算可以升級。 倒是週邊設備像是訊號線或是喇叭線、角錐，看看有沒有特價品促銷。 有一年就買了雅士音響自行研發的電源濾波器，價格就非常超值。 去年十一月的音響展，原本已經不打算進去參觀，沒想到妹妹從公司拿了幾張公關票給我，有了票就不要浪費，勉強找個時間，在星期六早上，我們家哥哥去上英語課，妹妹去游泳，抽空到展場迅速瀏覽一下。沒想到，在短短的一個小時，竟然就替家裡的音響組合增加了新成員。
第一家印象深刻的是德國的品牌(抱歉忘了什麼品牌)，每個器材都是黑色且是三角形形狀，看得出來是定位在最頂級的階層。然而吸引我注意的，是那位德國工程師所播放的音源，竟然是一台筆記型電腦，用一條USB傳輸線連接到音響系統。 很納悶一般的電腦何時也成為Hi-End音響的一部分? 而且由notebook播放出來的音質與音場，還真推得動這體積龐大的揚聲器。
接著來到雅士音響的房間，雅士可以說是我所購買音響的第一家廠商。
補教英文名師徐薇最近把英語教育的「目標市場」，從國、高中學生向下降低成國小學童，標榜國小畢業就會具備國中生的英語能力。 從她多年的教學經驗發現，國、高中生的英語文能力已經定型。 程度好的學生，在學校教育及補習制度中加強英文能力，輕輕鬆鬆成績就扶搖直上; 至於程度不好的學生，再怎麼拼命苦讀，成績還是如同一攤死水，進步有限。 更何況國高中生已經有許多學科要念，能夠花在英語學習的時間實在少之又少。 國小學童可運用的時間較多，在這時期加強英語，成效自然顯而易見。
這個論點，我完全贊成。英語能力培養的關鍵，就在於學生花了多少時間與英語相處。就像開車一樣，花的時間愈多，熟練的程度就愈高，與個人的資質關係不大。
程度好的學生，連玩樂休閒的時間都可以接觸到英語，使用到英語，與英語相處的時間就多很多； 程度不好的學生，就只有在拿起英文教材背誦的那一兩個小時，其他時間都與英語無關，背了卻沒有使用的機會，就更容易忘。
興趣或熱情與學習的關係，洪蘭教授在序中有下列的敘述:
“書中有一段對話非常的好，作者問她的學生：「陶非你幾歲開始學琴？」。他說：「接觸琴是十歲，但是真正的開始是 喜歡拉琴以後。」大哉回答！喜歡才是學習的開始，什麼時候開始學不重要，什麼時候真正喜歡才是關鍵。”
我想到了最近所閱讀關於舒曼的傳記。
去年(2010)是蕭邦誕辰兩佰週年，同時也一定會提到也是舒曼誕辰的兩佰週年。 這位與蕭邦同年出生的作曲家，可以說同樣在音樂史上佔有重要的一席之地。
我不太喜歡「黃金起跑點」這個名稱。 這個名稱太具有侵略性，起跑是賽跑的起點，有跟別人一較高下，爭個你輸我贏的味道。 人不需要為競爭而活，人跟人之間的相處，可以是分享，可以是互相扶持、攜手並進。 我想要討論的是，到底有沒有「黃金學習時期」?
我們每個人的生理與心理的發展狀態
，隨著年齡的增長，可以簡約的分成發展期、成熟期、以及衰退期三個階段。 15-18歲之前，可以說是身體發展的階段；18-35歲左右，身體的狀態會達到最佳狀況；35或40歲以後，身體的功能會逐漸退化。 所以如果一項才藝或是行業是需要以身體的運用或動作做為工具，就有可能隨著身體的成長 而有相對的生命時期：身體狀態是成熟期，則才藝所能發揮也屬顛峰期；身體逐漸衰退，則才藝的發揮空間也會江河日下，不若以往。
再者，各項需要靠身體運作的才藝或行業，隨著身體運用的部位不同，也會有著不同的成熟期與衰退期。 舉例來說，在球場或田徑場的球員或運動員，35-40歲以後就不可能再創高峰。 再細分下去，高爾夫球職業選手，有比較長的職業生涯，打到五十歲的選手比比皆是；但在籃球或是棒球場上，NBA(美國籃球職業聯盟)與MBL(美國棒球職業聯盟)，的四十歲以上選手，已經被稱為是老人家了。 女子體操與女子滑冰的運動生涯更短，14-20是巔峰時期，25歲以後，不可否認就跳不太起來了。 所以各項以身體為表演工具的才藝，當然有它的生命週期。 換句話說， 一位25歲的年青人，身體的發展雖是達到高峰，但是突然心血來潮，發願要開始學習滑冰，要以滑冰為職業，抱歉! 是可能來不及的。 他(她)當然可以學，或許可以成為教練，可是要成為選手奪金牌，就真的要靠奇蹟。
首先恭喜師子老師的第三本書－「喜歡：掌握孩子主動學習的秘密」問世。 從獅子老師的第一本書開始，我就一直是獅子老師部落格的忠實讀者。 讀獅子老師的文章，總是可以感受到一股愛的力量，對學生永遠充滿愛心，對父母、妹妹、親戚以及週遭的朋友、都用這股愛的力量維繫著彼此間的關係，再加上家庭教育，及本身的個性與修養，所表現出來的行為，對事總是樂觀進取；對人總是熱情相待；對學生永遠是以鼓勵代替責罵，口不出穢言。 印象最深刻的就是獅子老師表達不滿的情緒最嚴重的話，竟只是”You are not a very nice person.”。 相對於許多國內的小學老師，對小學生說話的遣辭用語以及態度都不假思索，口不擇言，無形之中，都傷害了幼童的心靈而不自知相比，獅子老師著實表現出一位老師及音樂家該有的風範，難怪受到許多家長與學生的愛戴。
點進「博客來」的網頁要訂購這本書時，就會看到「喜歡」這本書的介紹，並把洪蘭教授寫的序刊登出來。
